5 Blogs de fotografía para seguir

Como todo aficionado a la fotografía, me gusta estar todo lo informado posible sobre novedades, conocer nuevos trucos, ver el trabajo de fotógrafos que desconocía y aprender tanto como pueda, y para esto no hay nada mejor que seguir un buen número de blogs especializados en el tema. Aunque nosotros nos dedicamos a traeros toda la información y nos dedicamos a ello con toda nuestra ilusión, no es algo que hagamos en exclusiva y por eso hoy os voy a recomendar 5 blogs que sigo personalmente y que puedo recomendaros:

• Backfocus: Es el blog que lleva Miguel Michán Miguel desde el año 2005 y que nos proporciona novedades y consejos de primera mano bajo un agradable tratamiento personal.
• Xatakafoto: Es el blog colaborativo dedicado a la fotografía de la red Weblog y que esactualizado a diario por algunos de los mejores entendidos en el tema. Un buen sitio para estar a la última en novedades y trucos.
• Fotomaf: Mauro A. Fuentes nos trae su punto de vista sobre las novedades, descubrimientos y consejos que va encontrándose desde la visión de un aficionado. Además de blogger es todo un gurú del Social Media y un excelente comunicador.
• DSLRMagazine: Es una publicación online dirigida por Valentín Sama López-Aranda y que cuenta con un reducido grupo de profesionales de la imagen, la lingüística y la informática. Nos brinda una visión bastante profesional y mucha seriedad sin caer por ello en el distanciamiento o la frialdad con el lector.
• Strobist Español: Es la traducción de Strobist.com, un blog de habla inglesa dedicada en exclusiva a las técnicas de iluminación con flash de mano. Imprescindible.

Posterización

Normalmente los colores contiguos de una imagen se mezclan de forma gradual. A nuestro ojo le es imposible diferenciar donde comienza un color o donde para el anterior. Sin embargo, en ocasiones podemos ver dicha transición. Es algo que puede ocurrir en zonas con poco detalle como los cielos lisos. Como resultado aparecen unas bandas que recorren la imagen. Esto se conoce como posterización. El término es conocido así porque se obtiene un resultado similar en apariencia a los poster, en los que el proceso de impresión utiliza un número limitado de tintas de color. El efecto puede ir desde sutil hasta muy pronunciado, aunque la tolerancia a la posterización varía entre personas.

Cuando ocurre la posterización

Básicamente la posterización ocurre cuando en la edición de la imagen hay zonas en las que hay pocos tonos y estos se separan demasiado. El ejemplo más evidente es cuando se usan las curvas para iluminar zonas de sombra en una imagen. Con las curvas el programa realiza diversas fórmulas para obtener nuevos números con respecto a los primeros. Así, de una situación inicial en la que las diferencias de tonos entre pixeles contiguos es muy pequeña, pasamos a otra en la que estas diferencias se incrementan. Si estas diferencias son grandes lo que en un principio no era distinguible puede hacerse visible a simple vista.

La posterización es más fácil que se haga patente durante procesos en los que se expande el histograma. La forma habitual de expandirlo es mediante el uso de niveles o curvas, aunque también es posible que ocurra en una coversión entre distintos espacios de color.

Veamos una tabla (tabla 1) para hacernos una idea. Imaginemos que tenemos una imagen en la que tenemos un degradado en la zona oscura y este tiene una diferencia de un tono entre pixel y pixel. Ahora le aplicamos una curva para iluminar esa zona oscura, acabamos con algo similar a lo de la fila de abajo. Como puedes observar lo que en un principio era una transición  suave se ha convertido en algo más abrupto en unas zonas y algo más suave en otras, aunque no tanto como en el original. Si la curva hubiese sido mayor nos encontraríamos con una situación peor.

Imagen Original	0	1	2	3	4	5	6	7	8	9	10	11	12	13	14	15
Imagen Editada	0	7	11	14	17	22	25	27	29	31	33	35	37	39	40	42

Tabla 1

Cómo detectarla 

Una inspección visual de la imagen es una buena aproximación para detectar la posterización, sin embargo la mejor herramienta para detectarlo es el histograma. El histograma de luminosidad te mostrará los casos más extremos de posterización, aquellos que son visibles a simple vista. Pero los mejores “exploradores” de la existencia de posterización son los histogramas cromáticos (los de cada color). Estos nos van a ofrecer información de si algún color en concreto tiene una separación de tonos evidente y que nos haya podido pasar desapercibida en el examen visual. 

En la figura 1 podemos ver un ejemplo, en la imagen de arriba tenemos el histograma de una imagen subexpuesta y con un bajo contraste, lo ideal sería expandir el histograma hacia la derecha. Pero al hacerlo, vemos en la segunda imagen que aparecen picos de tonos cuya transición ya no es suave, sino que se corta, es un caso claro de posterización. Podemos ver dos tipos de picos los de la flecha no tienen ninguna información entre ellos, sin embargo los rodeados con el óvalo si que poseen información intermedia aunque no en toda la “montaña”, ambos son igual de preocupantes, en el primer caso se ve claro, en el segundo ocurre así porque determinadas zonas con esos tonos tienen información completa y otras zonas con esa misma luminosidad la tienen posterizada. 

Figura 1

Por supuesto, la posterización no es algo que deseemos así que vamos a ver como es posible evitarla y si aún así terminamos teniéndola veremos como eliminarla.

Prevenir la posterización

Para evitar que nos ocurra posterización existen cinco forma de hacerlo:

1. Realizar el mínimo de ediciones en la imagen
2. Disparar en raw para tener más tonos
3. Editar las imágenes en 16 bits
4. Usa el espacio de color adecuado al medio de salida 
5. Incrementar el número de tonos mediante la exposición 

 Realizar menos ediciones en la imagen

Desde luego no es la solución más práctica, si queremos editar la imagen poco se puede hacer al respecto. Pero está claro que determinadas herramientas van a contribuir especialmente a ello, así que si se nos presenta el problema de posterización serán las que intentaremos usar en menos ocasiones. Estas son los niveles, las curvas, tono/saturación o brillo/contraste. Las curvas evitan más fácilmente que los niveles el que aparezca la posterización. El brillo/contraste en la versión de Photoshop CS3 dispone de una casilla llamada “usar heredado”, si la pulsamos hace un desplazamiento del histograma sin expandirlo (en el caso del brillo) y con el contraste reduce bastante la posterización. Sin embargo no es una solución demasiado buena, puede resultar adecuado para determinadas imágenes pero para las demás es demasiado simple.

Dispara en raw para tener más tonos 

Es la mejor solución para minimizar el riesgo de posterización. Un fichero raw de 12 bits tiene dieciséis veces más tonos que un fichero JPEG y uno de 14 bits, que parece ser la tendencia actual, tiene sesenta y cuatro veces más tonos. Por lo tanto los tonos están muy cercanos unos a otros. Al editar se producirán las mismas separaciones tonales, sin embargo al estar éstas tan cercanas serán “invisibles” para nuestros ojos.

Volvamos a los números de la tabla 1. Cojamos el tono 0 y 1 del JPEG. En el caso del raw de 12 bits el tono 0 será el mismo que en el JPEG, después tendremos 15 tonos hasta llegar al tono 16, este será exactamente igual al tono 1 del JPEG, tenemos 15 tonos intermedios. A nuestro ojo la le resulta difícil, por no decir casi imposible notar la diferencia entre los dos primeros tonos del JPEG (o entre cualquier otro contiguo), imagina al  introducir 15 tonos más en medio. Ahora realizamos una curva en la que se producen las mismas separaciones tonales que en el anterior ejemplo. Es decir, el tono 0, se mantiene y el tono uno del raw pasa a ser el tono 7 y como sabemos el tono 7 pertenece a uno de los intermedios entre el 0 y el 1 del JPEG, es decir, todavía estamos en una situación buena. El ejemplo no es exacto a como ocurre realmente, es solo para comprender que al tener más tonos intermedios mantenemos buenas transiciones.

Para conseguir esta ventaja sobra decir que se debe convertir el raw a tiff o cualquier otro formato de 16 bits. No haríamos nada si disparamos en raw y trabajamos la imagen en JPEG.

Editar las imágenes en 16 bits

Parece que es el mismo consejo que el anterior, pero no es así. Es siempre aconsejable editar las imágenes a 16 bits, incluso aquellas que originalemente tenemos a 8 bits como los JPEG. Así pues antes de editar un JPEG lo convertiremos a 16 bits,. Con esto no vamos a lograr una mayor riqueza tonal pero lograremos que los errores de redondeo sean menores y por lo tanto evitaremos que en ocasiones algunos tonos no se separen demasiado.

Espacio de color

El uso de espacios de color muy amplios puede aumentar las posibilidades de que aparezca posterización ya que para realizar el mismo gradiente necesitan una profundidad de bits mucho mayor. No solo eso, si cambiamos entre ellos se pueden producir recortes por redondeo que también pueden hacer que los tonos se serparen más de lo necesario.

Si la salida va a ser para ver en monitor trabajar en sRGB es más que suficiente ya que además la gran mayoría de monitores son incapaces de presentar colores fuera de esa gama. Si las fotos van a ser impresas con impresoras de última generación como las de tintas de pigmentos se podría usar AdobeRGB ya que en ese caso si que se aprovechará esa mayor amplitud del espacio. Otros espacios mayores solo son recomendables para situaciones muy específicas.

Incrementar el número de tonos mediante la exposición

Seguramente si alguna vez se te ha presentado la posterización es fácil que haya sido en alguna zona oscura. Hay una razón para ello: el sensor de la cámara recoge la información de forma lineal, por esa razón recoge más información en las zonas luminosas que en las oscuras. La mitad de la información recogida por el sensor es para las luces altas y las zonas oscuras, por lo tanto, disponen de una menor cantidad de tonos. 

Hay una forma de tratar este problema, consiste en aumentar la exposición de forma que esta caiga en la zona más luminosa, aunque sin llegar a quemar la foto. Lograremos un aumento de los tonos disponibles en las sombras y minimizaremos las posibilidades de posterización. Como obtendremos una imagen sobreexpuesta deberemos reducir la exposición en el conversor raw.

Todo esto está explicado de manera muy simplificada y no es posible realizarlo en todas las ocasiones. Para una información más detallada puedes ver el artículo sobre la exposición en digital.

Arreglando la posterización

Pero que ocurre si en alguna imagen no hemos aplicado los paliativos enumerados y obtenemos posterización. ¿Podemos arreglarlo? Afortunadamente sí.

En primer lugar hay que hacer una puntualización. La posterización se minimiza al disminuir el tamaño de las imágenes, así que para detectarla deberemos verlas al 100% de tamaño. Además la posterización se hace más evidente si imprimimos la imagen en papel. Hay imágenes que puede que veamos bien en pantalla y que al imprimirlas es cuando empecemos a ver las bandas características de la posterización. Es en este caso donde revisar los histogrmas cromáticos puede ayudarnos a detectar la posterización antes de imprimir.

Imagina que decides imprimir una imagen y la copia te aparece con bandas indeseables en el cielo ¿Cómo lo solucionaríamos? La solución es fácil y además con una herramienta que casi ningún fotógrafo utiliza (sobre todo en color). Consiste en añadir ruido en pequeñas cantidades en las zonas que muestran posterización. El ruido rompe los bordes, de esta forma nuestros ojos son incapaces de distinguir esos bordes; es lo mismo que ocurre con los trajes de camuflaje, estos rompen las líneas de la figura del soldado y hace que este sea menos visible.

El ruido se añade en muy pequeñas cantidades esto hace que no sea visible a distancias de visión normales de las copias impresas (desde luego si juntas la nariz a la copia es seguro que verás el ruido). Hay que tener en cuenta que como la posterización es más visible en zonas oscuras y además con poco detalle el ruido no interfiere demasiado y no hay pérdidas de detalle. Un último detalle que hay que tener en cuentas es que el ruido debe ser añadido al final del proceso de edición, justo antes del enfoque. Por supuesto si hay que interpolar para aumentar el tamaño de la imagen esto debe hacerse antes de estos dos últimos procesos.

Para aplicar el ruido la mejor manera de hacerlo es mediante el uso de capas y máscaras. En primer lugar crearemos una nueva capa con todas las capas que tengamos visibles, mediante Ctr+Alt+Mayus+E a la que llamaremos ruido. Entonces aplicaremos la herramienta Filtro/Ruido/Añadir ruido. El ruido que aplicaremos será monocromático, gausiano y el porcentaje dependerá del tamaño de la impresión, en una copia de 40×60 pondremos un 3-4%.

A continuación crearemos un máscara de capa para proteger las zonas que no tienen posterización. Por último aplicaremos el enfoque, en esta ocasión lo haremos también con una máscara, pero será al revés que la anterior, en esta ocasión queremos evitar que se enfoque el ruido, así que la máscara deberá proteger la zona posterizada.

http://caiser.wordpress.com/2007/11/21/posterizacion/

Este tema lo comparto con ustedes porque me parece un tema muy importante cuando se desea que una fotografía resulte una GRAN FOTOGRAFÍA con colores y degradados bien definidos y sin cortes o como yo le digo, que no parezca un arco-iris.

espero les guste este tema y no olviden visitar el original al enlace anteriormente colocado.

Fotografías Instantaneas

Un pequeño vidéo que encontré en Internet publicado por Lucas Otero, es una secuencia de fotografías instantáneas, simplemente dicho personaje utilizo el video y el internet para promocionar su trabajo y su manera de tomar las fotografías, cosa que me pareció muy atractivo y sinceramente bien realizado para mi gusto y espero que también para la de todos ustedes.

Bueno no se como poner aquí el video así que les dejare el enlace, perdonen si les causa alguna incomodidad, y aun así les guste!!!

http://vimeo.com/42381325

Pequeña Guía para Realizar una Sesión Premamá Inolvidable

         Cuando una mujer se queda embarazada, su cuerpo experimenta una serie de cambios que, seguramente, quiera recordar para siempre. Y ¿qué mejor manera de recordar algo que haciéndole fotos? Tanto si tienes que realizar una sesión de fotos para alguien que no conoces, como si la mujer embarazada es próxima a ti, en este artículo intentaremos dar algunos consejos para poder realizar esta sesión de fotos.

La toma de contacto

Este punto será importante si la mujer embarazada es alguien ajena a ti. Si se trata de un familiar, de una amiga o de una conocida, seguramente no haga falta que pases concienzudamente por este paso. El caso es que si no conoces a la embarazada, es muy importante que la futura mamá y tú congeniéis un poco antes del día de la sesión, que cojáis confianza. Sobre todo si la sesión va a ser un desnudo o un semidesnudo. Piensa que, por norma general, no le estarás haciendo fotos a una modelo, así que es probable que no esté acostumbrada a tener una cámara de fotos delante. Y menos si en las fotos tiene que salir desnuda (o semidesnuda, por ejemplo enseñando la barriga). Así que mi consejo es que, antes de la sesión, quedes con ella (o con ellos si se trata de una pareja) para conoceros. ¿Para qué servirá quedar un día y tomar un café?

• Hablar de la sesión. Parece obvio pero será la única manera que tendrás de saber qué esperan de la sesión. Qué tipos de fotos quieren, si les va un estilo más formal o más informal. Si han  hecho otras sesiones de fotos o si es su primera vez delante de la cámara.
• Hacer una lluvia de ideas. Podéis ir diciendo ideas que podría ser interesante intentar en la sesión, con la intención de conseguir fotografías originales.
• Ver referentes. Es importante tener ideas propias pero eso no tiene que estar reñido con ver qué tipo de fotos se suelen hacer en estas sesiones . No se trata de copiarlas, sino de utilizarlas como inspiración. Es cierto que las fotografías más típicas suelen gustar mucho, así que seguramente tengas que hacer alguna de estas fotos a petición de la futura mamá. Tampoco es nada malo, estas fotografías, aunque típicas, suelen ser bonitas y tiernas.
• Organizar la sesión. ¿Será en su casa o en estudio? ¿Quizás en una localización exterior bonita? ¿Desnuda? ¿Vestida? Mejor hablar todo esto antes de la sesión, para poder organizar todo con más tiempo y tranquilidad.
• Darles consejos para las fotos. Si la pareja quiere salir junta en las fotos, acostumbra a quedar muy bonito que vayan vestidos con tonos similares, que no utilicen ropa con estampados muy estridentes que puedan llamar demasiado la atención, etc. Si las fotos no se harán en su casa, donde lo tendrán todo a mano, puedes comentarles que lleven el día de la sesión cositas de su bebé: unos zapatos, una camiseta, algún juguete, o incluso una ecografía para utilizarlo en las fotos. También puedes aconsejarles que, si no han hecho antes ninguna sesión de fotos, prueben de practicar poses delante del espejo para que, llegado el día de las fotos, les sea más fácil.

Después de esto podéis seguir intercambiando mails o llamadas, cuando llegue el día de la sesión, cuanta más relación hayáis tenido en los días previos, más natural será todo... ¡y eso seguro que se ve reflejado en tu trabajo!

La sesión de fotos

Ya ha llegado el gran día: llegas al estudio, o a su casa, o donde hayáis quedado y empieza tu trabajo. Los consejos a seguir para tratar con los modelos de estas fotos, son bastante de sentido común y aplicables a todas las sesiones, sean o no sean premamá: enseñarles las fotos de vez en cuando, decirle cómo debe colocarse pero también dejar que hagan sus propias poses, dejar cierto espacio a la improvisación...

Acostumbra a ser bastante agradecido en este tipo de fotos el uso de fondos claros y uniformes y luces suaves e indirectas. Si no dispones de fondos que puedas utilizar, una simple tela blanca colocada estratégicamente (y bien planchada para que no haya arrugas) puede solucionarte la vida. En cuanto a la luz, si no dispones de luz natural, lo mejor será que utilices el flash rebotándolo para que las sombras sean más suaves.

Lo más aconsejable sería utilizar objetivos de 75-80mm, son estupendos para realizar retratos y no presentan mucha aberración. Personalmente, desaconsejaría el uso de grandes angulares, la deformación propia de estos objetivos puede hacer que los modelos no se vean bien y acaben por sentirse incómodos con las fotos. Aunque es cierto que para ciertas imágenes puede ser interesante, por ejemplo aquellas imágenes en las que se quiera enseñar la enorme barriga de la mamá. También puede ser interesante utilizar profundidades de campo muy pequeñas, eso les da a las imágenes cierto ambiente mágico y, a la vez, íntimo. Todo muy acorde con el momento en el que se realizan las fotos.

Uno de los mejores momentos para realizar las fotografías, es a los siete meses (más o menos). En este momento del embarazo la barriga ya empieza a ser importante pero si esperas mucho para hacer la sesión, es posible que tu modelo tenga estrías, manchas o tenga las piernas o la cara hinchadas por el embarazo. Sea como sea, háblalo con ellos para saber qué prefieren.

En cuanto a la indumentaria de la modelo, la ropa premamá acostumbra a ser holgada para que no quede ajustada en la barriga. Sin embargo, las sesiones de fotos de este tipo suelen ser para "mostrar" barriga, así que debes decirle a tu modelo que no tenga miedo de ponerse, aunque sólo sea para el rato de las fotos, ropa más ajustada que pueda marcar bien la barriga. Si tu modelo quiere fotos semidesnuda, unos pantalones sencillos y un top que deje completamente al aire la barriga puede darte muy buenos resultados. Posar en ropa interior también puede ser interesante. Finalmente, si lo que quiere tu modelo es hacer un desnudo, puedes probar con telas estratégicamente colocadas para adornar el cuerpo de la embarazada.

¿Qué pasa si hay niños por el medio? Será bonito incluirlos en alguna de las fotos pero, a no ser que los padres quieran que su hijo salga en todas las fotografías, debes intentar tener tiempo para todos. Intenta hacer fotos de la madre sola, con su pareja y con la criatura. Es cierto que las fotos con niños siempre son mucho más dulces y bonitas, ¡pero no te ciegues con ello!

Un par de proyectos interesantes para parejas embarazadas

En el caso de que tengas que hacer una sesión de fotos a una mujer embarazada o la mujer embarazada sea de tu familia o incluso tú misma, aquí tienes dos proyectos que pueden tener resultados muy vistosos una vez terminados. Evidentemente serán un poco más difíciles de llevar a cabo si tu modelo no es alguien de mucha confianza, pero si tienes opción de intentarlos, seguro quedas muy satisfecho con los resultados.

• Seguimiento del embarazo. Intenta realizar una fotografía, por ejemplo, cada mes. Así, el cambio que se produce en el cuerpo de la mujer puede hacerse visible mediante las fotografías. Consejos para seguir este proyecto: debes hacer las fotografías lo más similares posibles. Esto incluye la pose de la mujer pero también la luz, el encuadre, la distancia focal, la distancia con la modelo... todo lo que puedas controlar debe ser lo más parecido en las fotos. Si las fotos son muy distintas entre ellas, los cambios físicos de la mujer pueden llegar a quedar "camuflados" entre las distintas imágenes así que la finalidad del proyecto quedaría perdida. Este proyecto, además, puede continuarse cuando el bebé haya nacido, siguiéndolo en los primeros meses, o incluso años, de su vida 
• Repetición de fotos. Durante la sesión de fotos puedes realizar algunas imágenes con la finalidad de repetirlas cuando el bebé haya nacido. Por ejemplo, si la mujer se sujeta la barriga por abajo, cuando haya llegado el bebé, se puede repetir la misma fotografía cambiando el bebé por la barriga. Si haces varias imágenes con esta intención, puede quedar una serie de imágenes la mar de curiosa de ver. Los consejos para este proyecto son los mismos que para el proyecto anterior: intentar hacer las fotografías lo más parecidas posibles en todos los aspectos.

El revelado del material

Ya has hecho todas las fotos: ahora toca el procesado. Voy a darte mi opinión personal sobre este punto. Puedes estar de acuerdo con él o no, pero lo que te voy a comentar en este apartado, a mi me ha dado muy buenos resultados. Las fotos premamá que he hecho han sido procesadas siguiendo estos puntos:

• El blanco y negro es una opción a tener muy en cuenta.
• La clave alta, también.
• Si buscas colores, busca también la naturalidad.
• Los tonos neutros y suaves son más agradecidos.
• El contraste, si es más bien bajo, mejor. Aunque no buscamos fotografías planas, sin contraste.
• Si tienes la opción, prueba con los contraluces.
• Cuidado con las correcciones de la piel.

Sea como sea, recuerda que tus modelos no son profesionales y, por lo tanto, no buscan ampliar portfolio. ¿Por qué te digo esto? Porque seguramente lo que busquen con tus fotografías sea inmortalizar una parte importante de su vida. Es importante que tus fotografías queden lo más naturales posible; lo que debes evitar a toda costa es que tus modelos no se reconozcan en las imágenes. Esta es la principal razón del último punto de la lista anterior: no le estamos haciendo fotos a una modelo que busque parecer una muñeca, sino a una mujer que está en uno de los puntos más altos de su feminidad y que, por lo tanto, busca parecer esto, una mujer. No estoy diciendo que no debas corregir la piel de los futuros papás, simplemente que, ojo, en mi opinión (y en este caso concreto), es mejor suavizar que quitar completamente. Pero como decía, esto es mi percepción, puede ser que tus modelos te pidan que les quites todas las imperfecciones, lo importante es intentar saber cómo van a sentirse más contentos con tu trabajo.

La entrega de los finales

Esto es muy personal, influyen las ideas del fotógrafo y las ideas de los futuros padres. En mi opinión, el modelo de entrega de las fotografías más adecuado y que mejor funciona es en formato digital, para que sean ellos los que puedan elegir libremente qué fotos quieren imprimirse y a qué tamaño. Aunque hay fotógrafos que prefieren entregar las fotografías en papel o incluso preparar un libro fotográfico. Esto queda completamente en tus manos, valora las distintas opciones, háblalo con la pareja de tus fotos y toma una decisión. La opción más económica para ti, sin duda, es la digital aunque una fotografía impresa no tiene ni punto de comparación.

Sea como sea, puede ser muy interesante entregar las fotos y revisarlas junto con la pareja. Para ver qué opinan, por si hay algún retoque de última hora que se te había pasado o por si tienen algún comentario que te podría ser útil para sesiones futuras.

http://www.dzoom.org.es/noticia-18012.html

Fotografía, ¿arte mayor o menor?

Un debate muy frecuente en fotografía es el que se refiere a la importancia de ésta dentro del arte. Mientras muchos fotógrafos defienden la dignidad de esta disciplina, otros argumentan que no requiere ni la creatividad ni la maestría técnica de otras artes plásticas como la pintura o la escultura. Y por ello a menudo la fotografía se suele catalogar como “arte menor”. Pero ¿de dónde viene esa expresión?

Toda forma de arte alberga en su interior un contenido y una forma. El contenido nos hace referencia al propósito, la idea, el razonamiento. La forma, es el contenedor que alberga los atributos del contenido. En realidad, ambos conceptos hacen referencia a la relación entre el artista y su obra. Cada obra de arte, requiere de una labor mental (idea y contenido) y una labor artesanal (forma).

En base a estos dos pilares, tradicionalmente las distintas artes se han subdividido en grados, esto es: artes mayores, y artes menores. Aunque esta distinción ya existió en la Antigua Grecia , no cobra el sentido actual hasta el siglo XVII en Francia, cuando se comienza a unificar la Academia de las Artes. Allí se creará una especie de universidad que agrupará a muchas escuelas de la época. Su misión:impartir formación académica de las más importantes disciplinas artísticas (arquitectura, música, escultura y pintura).

Pero en ese momento, quizás con el objetivo de dignificar el Arte, abrieron un intenso debate acerca de qué obras debían ser consideradas sólo manufacturas, productos artesanales o de decoración. Este modelo francés se extenderá posteriormente por toda Europa.

De este modo, se solía considerar arte menor como aquel que tiene fines más decorativos, así todas las formas de arte figurativo que no son pintura, ni escultura, ni arquitectura. Esa definición, quizás un poco ambigüa, se completa con la del arte mayor: obras de carácter único e irreproducible, que lejos de tener un fin práctico, su principal utilidad es la de expresar y ensalzar la belleza, a través del virtuosismo y la sensibilidad de un artista altamente comprometido con su obra.

El enfoque sociológico

Además, la distinción también tendió a derivar hacia un componente cláramente sociológico. Pierre Bourdieu decía que “podría decirse de la fotografía lo que Hegel decía de la filosofía: – Ningún otro arte, ninguna otra ciencia, está expuesto a ese supremo grado de desprecio según el cual cada uno cree poseerlo enseguida”. Efectivamente: para tocar mínimamente un instrumento o pintar con maestríanecesitamos muchos años de aprendizaje especializado, dedicando muchas horas diarias. Sin embargo, la fotografía hoy en dia es popular y asequible. Cualquier persona puede comprar una cámara y en poco tiempo, con algún masterclass de fotografía, llegar a obtener algún resultado digno.

Pierre Bourdieu, como filósofo, escribió un extenso tratado sobre esta cuestión, en el que iba más allá y decidía que la fotografía sería en realidad un arte medio. Su tratado no se centró en los grandes nombres de la fotografía artística, sino en investigar los usos sociales de la fotografía priorizando aquellos sectores sociales que son responsables de la mayor parte de las instantáneas que circulan.

El nombre “arte medio” se justifica en función del análisis sociológico que efectúa el filósofo francés: para los aficionados la fotografía es “a) un medio en tanto que satisface una función social superior (servir de testimonio de integración familiar); b) es un arte mediano, una práctica cuasi artística, entre lo vulgar y lo noble; c) es un arte de las cohortes generacionales intermedias, propio de ciudades medianas, de gente de clase media, de cuadros medios, de gente con estudios de secundaria”.

En definitiva, la fotografía no es un arte mayor porque se usan procedimientos técnicos y efectos estéticos inmediatamente accesibles, y porque excluye los temas controvertidos a favor de personajes y símbolos estereotipados, que son los se identifican más fácilmente con el público masivo.

Por tanto, parece que tanto el arte mayor como el arte menor (y si queremos, el arte medio) contienen todos esos atributos de contenido y forma, pero parece que finalmente la diferencia entre ambostambién radica en los niveles de desarrollo de dicho contenido y forma.

El arte fabricado en serie

Claro, que un buen dia, comienzan a surgir nuevas formas de expresión, como la fotografía digital, el vídeo o los sistemas de grabación electrónicos. Y entonces nos damos cuenta de que ahora las obras ya no son únicas e irreproducibles, sino que se pueden fabricar en serie. Y además llegan a las masas fácilmente. La cultura se democratiza. Y por eso, posiblemente toque redefinir un poco todos estos términos.

Según mi (reconozco escasa) experiencia con otras artes como la pintura o la música, reconozco que en la cuestión estética quizás la fotografía es bastante más simple que la pintura o la música, desde el momento que las obras de estas dos artes surgen exclusivamente de la imaginación. Al no existir una realidad que te limita, también te genera muchos quebraderos de cabeza: imagináos el tremendo trabajo que le supone a un pintor resolver un problema visual que el fotógrafo simplemente “lo tiene delante o no lo tiene”.

Y en cuanto al aspecto técnico, parece que a los fotógrafos les cuesta quitarse ese estigma. Para tocar a un nivel muy básico un instrumento, uno debe encerrarse durante horas cada dia y practicar sin parar. Y no digamos ya el trabajo que requiere adquirir cierto virtuosismo. Sin embargo, la fotografía plantea otro tipo de técnica, para muchos más asequible desde el punto de vista intelectual, pero menos desde el punto de vista económico.

Que todo esto sea o no motivo para decidir si la fotografía es un arte mayor o menor, corresponde defenderlo a los fotógrafos, a través de su trabajo: dignificándolo, y llevándolo a cotas intelectuales y técnicas que no admitan esta dicusión. Y si aceptamos que algunos ya lo han conseguido, quizás sólo es una cuestión de concienciación del resto.

Panasonic Lumix GF5 "la pequeña sorpresa"

“Menos es más”

Muchos se apresuran a decir que esta cita se ha adueñado de gran parte del panoráma fotográfico actual. Y es que las CSC (o como quieran ustedes llamarlas) ya parecen, por fin, un sector maduro a tener en cuenta por todos. Panasonic no es nuevo en esto y si miramos el 5 de su nomenclatura entenderemos que  es un producto maduro dentro de un segmento que ellos mismos han ayudado a crear.

A los que ya conocemos el producto de Panasonic la Lumix GF5 no nos ha sorprendido con innovaciones revolucionarias, pero no esperábamos más de una cámara así, es un producto destinado a afianzar una línea con una facilidad de ventas clara. Personas que no quieres un pesada reflex ni quieren la complicación de que una CSC más avanzada podría tener para ellos. Algo pequeño, sencillo y efectivo. Ese sería el resumen de la GF5. Veamos.

Probé la cámara durante algunas semanas junto con el 14-42, un zoom que sorprende por el tamaño que tiene.  Teniendo en cuenta el factor de recorte de la GF5 que es un X2 éste objetivo sería un 28-84, en la foto que tenéis arriba veis una Nikon D800 con un 24-70 montado… la diferencia es sólo ligera, la GF5 cabe en el parasol  (ojo, no tomar esto como una comparativa “seria”, que no lo es, sabemos que el público de ambas cámaras es muy diferente)

El captor sigue siendo el LMOS de 12 mpx que tan buen rendimiento les ha dado pero optimizado respecto a la GF3 en un 30% sobre todo en términos de ruido a altas ISO. Luego veremos esa parte.

Como decíamos la cámara es pequeña, muy pequeña, para chicos de manos grandes quizá demasiado. A mi me caía bastante bien porque las tengo más bien pequeñas, tiene un pequeño grip de material rugoso/blando que hace más agradable sostenerla con una sola mano. Aunque la combinación de cámara + zoom no pesa nada,  por lo que no es complicado sostenerla con una sola mano sin problemas.

Aun siendo todo lo pequeña que veis, siempre me ha sorprendido que sea un poco más alta que la montura, lleva un flash incorporado que sin ser la solución a todos los problemas en algunos casos se agradece. otros fabricantes optaron por no incluir flash en sus cuerpos por hacerlos aun más pequeños, si quieres usarlo debes cargar siempre con uno y aunque no sean muy grandes siempre es un engorro. Punto a favor de Panasonic en este punto

Como dispone de una buena pantalla táctil los controles son apenas el boton de disparo, el de encendido, el de grabación de vídeo y uno dedicado a activar el modo iA que es el modo “Automático inteligente” que asegura que la cámara adaptará sus condiciones a las de la escena a fotografiar.

La pantalla trasera es de buen tamaño en relación con lo pequeño del cuerpo, la capacidad táctil de la misma hace que sea útil para realizar casi cualquier operación que podamos imaginar.

Una rueda trasera con un botón de 4 posiciones y algún botón más complementan todo el manejo de la cámara. A destacar el botón Quick menú con e que accedemos rápidamente a todas las opciones.

Una de las cosas que más me gusta a mi de esta cámara es la posibilidad de enfocar y disparar desde la propia pantalla. Cómodo y bastante rápido.

La velocidad general de la cámara es aceptable siendo el AF bastante rápido para el estándar de la CSC aunque la velocidad de la pantalla en el método que acabo de contar no siempre es lo rápido que uno desearía.

Sobre calidad de imagen:

El rendimiento ISO del sensor es ligeramente superior al de la GF3 pero no me ha dado la sensación de que haya sido ese 33% que anuncian

Una toma a ISO 160

Una a ISO 1600

En mi Flickr tenéis el resto hasta ISOs 6400

Algunas muestras:
Una de las razones de usar una CSC frente a una compacta es el tamaño del sensor que suele ser algo más grande y permite usar la profundidad de campo como recurso creativo, un ejemplo

En los colores se maneja bien como suele ser norma en Panasonic, pero mejor si tiráis de RAW, los procesados jpg de Panasonic a mi me resultan demasiado agresivos…

El sensor tiene una latitud de exposición bastante decente, es capaz de recoger un rango dinámico suficiente, lejos de las dSLR FF pero suficiente como para trabajar en LR sin estropear nada demasiado

Por tamaño y peso es ideal para llevarla siempre encima y pasear con ella, sumado al buen AF es una cámara entretenida para eso mismo.

En definitiva. Una cámara pensada para la gente que quiere buenos resultados, por encima de lo que sus compactas le ofrecen, que quieren cambiar de objetivos, pero que no quieren complicarse para la nada la vida… para ellos es ésta cámara y seguro que conoces a alguien que hace poco te ha preguntado preguntando por una cámara así, verdad? pues nada, ya sabes qué recomendarle 

http://www.fotomaf.com/blog/02/08/2012/panasonic-lumix-gf5-pequena-sorpresa/

--> Para mi un muy buen tema que vale la pena compartirlo con ustedes, ya que fue tal la aceptación de esta pequeña cámara que prácticamente puede considerarse competencia para una profesional (según mi criterio) la calidad y demás aspectos que te muestra es muy rara en una cámara de este aspecto, pero que mas podría decir de una cámara que guarda una "pequeña" GRAN SORPRESA COMO ESTA?

Visión a los Objetivos

Visión a los Objetivos

Al paso del tiempo se observaron varios cambios en los objetivos de las cámaras, sin retroceder mucho en el tiempo podemos observar a los objetivos con focal fija, esos pequeños que solo tienen anillo de enfoque y de control de apertura de a lo que yo le digo IRIS.

Esos objetivos citando a una fuente conocida (un amigo) son los mejores, ya que tienen mas capacidad de captar mas luz, y que no necesariamente tener que esforzar la cámara para tener una buena toma usando un ISO bajo.

Luego de un tiempo llegaron los objetivos con anillo de zoom, el que te permite acercarte mas al motivo que deseas capturar, a mi parecer fue una mejora el cuanto a la captura de imágenes ya que no necesitabas cambiar el objetivo para tener una fotografía en el momento preciso.

Si bien los objetivos fueron modificándose en el transcurso del tiempo vale mencionar que en muchos casos las cámaras también cambiaron sus componentes ya que podíamos observar que algunos objetivos eran con sistema de rosca, ese que demorabas en dar un par de vueltas para "atornillar" a la cámara, también se observaban los objetivos con sistema de chaveta, que con medio movimiento al colocarlo ya tenias armada y lista para ser usada.

Lo que me sorprendió últimamente fue ver tal el avance de estos que una cámara compacta y como yo le digo semi profesional te lanzaba una prioridad de zoom de hasta 45X en un formato pequeño de sensor, y haciendo la conversión necesaria esos 45X se convertían en 400 y picos milímetros sobre en sensor.

Si así va evolucionando una parte de las cámaras, no seria genial poder ver que nos tiene el futuro? 

a mi la verdad me gustaría que las cámaras no pierdan la esencia de interactuar con el usuario, ya que para mi es mas que un arte, es un modo de vida.

Atte: Raul Daza.

Una Manera De Ver La Evolución De La Foto

Evolución de la fotografía

La fotgrafía ha sido la unión del siglo XIX y el siglo XXI .Desde sus comienzos, allá por el año 1839, ha supuesto un cambio en la sociedad y su evolución sirviendo como documento de la humanidad y muestra de las distintas sociedades a lo largo de este periodo.

El caracter visual de este invento le ha permitido formar parte de la comunicación ,el arte así como de la publicidad y el periodismo.Pudiendose decir que aha dado paso a las nuevas tecnologías como internet y la televisión.

http://wafaines-fotografia.blogspot.com/2010/06/evolucion-de-la-fotografia.html

Desde la creación de la primera cámara fotográfica se experimentaron diversos cambios notorios desde el tamaño hasta la potabilidad para usuarios regulares hasta el precio y las facilidades.

Ahora podemos ver que la fotografía desde el punto de edición de la toma se puede realizar desde la cámara ya sea antes o después de tomar una foto eso se debe a que las placas que se utilizaban para capturar la luz, con el paso de los tiempos se transformaron en sensores capaces de tener el control directo de la modificación de las fotografías.

Dime:

¿Crees que la fotografía de hace 50 años era mas artística que la que experimentamos en estos tiempos y por que?